В рамках экспертной панели Talks at Google креативная команда анимационного хита «The Mitchells vs. The Machines» раскрыла внутреннюю кухню производства, длившегося шесть лет. Режиссер Майк Рианда, сорежиссер Джефф Роу, художник-постановщик Линдси Оливарес и глава сценарного отдела Гильермо Мартинес обсудили, как радикальные творческие риски, сотрудничество с продюсерами Филом Лордом и Кристофером Миллером, а также жесткие бюджетные ограничения позволили переписать правила современной индустрии 3D-анимации.
⏱️ Шесть лет в производстве и триумфальный наградной сезон 0:15
Производственный цикл анимационной ленты «The Mitchells vs. The Machines» занял около шести лет. Длительный период разработки и постпроизводства, частично совпавший с ограничениями эпохи пандемии COVID-19, завершился для команды масштабным наградным сезоном. Картина получила номинацию на премию «Оскар» в категории «Лучший анимационный фильм».
Кроме того, проект продемонстрировал абсолютный триумф на профильных премиях, забрав награды практически во всех ключевых номинациях:
- Лучший анимационный фильм (Best Animated Feature)
- Анимационные эффекты (Animated Effects)
- Дизайн персонажей (Character Design)
- Режиссура (Directing)
- Художественное оформление (Production Design)
- Сценарий (Writing)
- Монтаж (Editing)
- Актерское озвучивание (Voice Acting)
Ведущий Кевин Влк подчеркнул, что столь масштабное признание второстепенных технических категорий подтверждает уникальный баланс между глубоко личной историей создателей и универсальностью тем, понятных миллионам зрителей.
🚗 От семейного альбома до контракта с Sony: истоки идеи 2:10
По словам режиссера Майка Рианды, отправной точкой для проекта послужила концепция, объединяющая черты его собственной семьи и гипотетическое восстание роботов. Сотрудничество со студией Sony началось в условиях полного отсутствия фиксированных корпоративных формул или жестких правил («open season»), что позволило авторам экспериментировать с формой и содержанием.
Основной задачей было перенести на экран специфику реальных, неидеальных людей. Майк Рианда настаивал на том, чтобы персонажи обладали чертами его родителей, а визуальный стиль опирался на самобытные эскизы Линдси Оливарес и световые инсталляции художника Джеймса Таррелла. Создатели сравнивают начальный этап работы с групповым прыжком из самолета, когда парашюты приходилось сшивать буквально во время свободного падения.
Сюжет черпал силу из глубокого наблюдения за бытом. Как отмечает Майк Рианда, дома реальных людей не похожи на идеальные выставочные модели, а отцы в реальной жизни — это не просто стереотипные персонажи, пьющие кофе и читающие газеты. В итоговом продукте личные истории Майка Рианды соединились с увлечением Джеффа Роу динозаврами, кинематографическим видением Гильермо Мартинеса и детскими привычками Линдси Оливарес (которая в детстве рисовала на собственных брюках, что стало фишкой главной героини Кейти).
🛋️ Эстетика несовершенства: Craigslist как источник референсов 5:51
Художественная концепция фильма построена на жестком противопоставлении: несовершенный человеческий мир против идеальных, выверенных технологий. Линдси Оливарес объясняет, что команда сознательно отказалась от использования компьютерных инструментов для создания идеально прямых линий или симметричных чистых пространств в окружении семьи Митчелл. Вся перфекционистская геометрия была зарезервирована исключительно для технологических зон корпорации PAL и роботов.
Для достижения максимального эффекта присутствия («lived in») художники использовали нестандартные методы сбора референсов:
- Анализ личного пространства: Линдси Оливарес вдохновлялась перегоревшими лампочками в собственной комнате и громоздкими упаковками туалетной бумаги, для которых дома не нашлось места.
- Изучение Craigslist: Чтобы воссоздать интерьер дома в Мичигане, Оливарес искала реальные объявления о продаже диванов и ковров в этом штате через платформу Craigslist. Это позволило избежать каталожных трендов и найти вещи с историей, которые передаются из поколения в поколение.
- Архивы соцсетей и фотоальбомы: Использовались реальные фотографии семей Майка Рианды, друзей команды и случайные снимки из Facebook для достижения максимальной наблюдательной точности.
🚀 Метод Лорда и Миллера: «Сначала сломайте систему» 9:46
Огромное влияние на итоговый формат картины оказали исполнительные продюсеры Фил Лорд и Кристофер Миллер, ранее перевернувшие индустрию проектом «Spider-Man: Into the Spider-Verse». По мнению Майка Рианды, главным вкладом продюсеров стало создание атмосферы тотального поощрения рисков, где ни одна идея не считалась чересчур безумной. Лорд и Миллер выступали в качестве буфера между авторами и студийным руководством, защищая странные и нестандартные элементы повествования как ключевые фичи, а не баги.
В процессе работы команда переняла у продюсеров подход, который Рианда считает применимым и к разработке программного обеспечения в компаниях вроде Google. Суть метода заключается в следующем:
- Радикальная смелость на старте: При возникновении идеи необходимо сначала реализовать ее самую безумную и полную версию, а не продвигаться мелкими компромиссными шагами.
- Тестирование на излом: Продюсеры требовали от авторов «сломать систему» на ранних этапах. Как утверждает Рианда, они просили показывать не промежуточные версии 1, 2 или 3, а сразу «версию 25», чтобы увидеть крайние границы возможного повествования.
- Опора на классический фундамент: Наличие строгой классической структуры взаимоотношений отца и дочери позволило авторам безболезненно внедрять самые смелые визуальные и комедийные инновации.
🧸 Эволюция сценария: битва за Ферби и переписывание экшен-сцен 17:43
Хотя общая фабула фильма оставалась неизменной со второго драфта сценария, внутренняя структура сцен претерпевала радикальные изменения. Ярким примером затяжной производственной борьбы стала знаменитая сцена в торговом центре с гигантским Ферби. Глава сценарного отдела Гильермо Мартинес вспоминает, что раскадровка создавалась в условиях правовой неопределенности: компания Hasbro долго не давала ответа по поводу лицензии на использование игрушки.
На случай юридического отказа команда разработала несколько альтернативных вариантов антагониста торгового центра:
- Tickle Me Melmo: Персонаж в стиле Бессмертного Джо (Immortan Joe) из франшизы «Mad Max», управляющий армией бытовой техники.
- Kawaii Katie: Стилизованная пародия на Hello Kitty.
Когда Hasbro одобрила запрос, возвращение оригинального Ферби вызвало ликование на внутренних студийных просмотрах. Сцену пришлось структурно переработать: изначально она состояла из 12 однотипных шуток, но в итоге акцент сместили на эмоциональное сплочение семьи перед лицом угрозы.
Параллельно шла трансформация сцены на заправке (Mini Mart / Dino stop). По словам Джеффа Роу, первая версия раскадровки Гильермо Мартинеса представляла собой сложнейший единый кадр без склеек в духе фильма «Children of Men», переосмысленный в комедийном ключе. Несмотря на визуальную эстетику, сцену полностью переписали. Авторы осознали, что единый панорамный кадр подсознательно объединяет персонажей, тогда как по сюжету эта сцена должна была транслировать прямо противоположное — глубокий раскол в семье и их неспособность действовать как единая команда на фоне идеального семейства Пози.
🏳️🌈 Идентичность Кейти: органика против сюжетных штампов 25:41
Важным элементом репрезентации в картине стала квир-идентичность главной героини Кейти. Создатели умышленно отказались от использования ориентации персонажа как центрального двигательного механизма сюжета или источника драмы. Кейти просто является такой, какая она есть, и семья полностью принимает её.
Майк Рианда объясняет, что образ Кейти формировался на основе реальных друзей авторов по художественной школе. В процессе работы над характером сценаристы активно консультировались с сотрудниками студии, представляющими ЛГБТК+ сообщество. По словам Рианды, один из членов команды сформулировал ключевой тезис: идентичность — это лишь одна из многих составляющих человека (наряду с цветом глаз, любовью к скалолазанию или рок-музыке), и фильм должен отражать именно эту пропорцию. Линдси Оливарес добавляет, что на первом плане всегда оставались творческая энергия Кейти, её смелость и страсть к режиссуре.
🎨 Технологический прорыв Imageworks: шейдеры против бюджетов 30:00
Визуальный язык «The Mitchells vs. The Machines» потребовал разработки новых технологических решений. Основная философская концепция противостояния человека и машин легла в основу технического задания для студии Sony Pictures Imageworks и супервайзера визуальных эффектов Майка Ласкера. Команда стремилась полностью сохранить ощущение ручной работы в рамках продвинутого 3D-софта: на каждую модель накладывались несовершенные граничные линии, а текстуры света прорисовывались вручную.
Майк Рианда раскрыл особенности коммуникации с техническими разработчиками софта:
- Преодоление шаблонов: На первоначальный запрос о создании «акварельного» стиля с неровными линиями инженеры ответили отказом, ссылаясь на технические ограничения текущих программ.
- Смена ролей: По словам Рианды, вместо официальных переговоров от лица компании авторы начали общаться с инженерами как с коллегами-художниками, задавая вопрос: «Как бы вы решили эту задачу лично для себя?». Это привело к тому, что программисты увлеклись процессом и создали кастомные инструменты затенения (шейдеры).
- Экономическая эффективность: Благодаря инновационному подходу к софту и вовлеченности команды, итоговое производство фильма обошлось студии значительно дешевле большинства стандартных крупнобюджетных 3D-мультфильмов того периода.
Джефф Роу иронично вспоминает, что во время тяжелых кризисных совещаний по поводу нехватки бюджета он предлагал продюсерам внести в официальную смету отдельную колонку под названием «Сила человеческого духа», что вызывало раздражение у финансовых менеджеров, но в итоге именно этот фактор помог завершить проект.
🤪 «Кейти-вижн» и преодоление академических правил анимации 36:02
Специфический визуальный слой фильма, получивший название «Кейти-вижн» (Katie vision), создавался как отражение субъективного восприятия мира главной героиней. Стилистика заимствует элементы современного цифрового коллажа: интеграцию реальных стоковых фотографий, намеренно низкоразрешенных изображений с водяными знаками, элементов интерфейса Instagram-историй и классической 2D-анимации поверх трехмерного рендера.
Линдси Оливарес, имеющая академическое образование в сфере компьютерной анимации, подчеркнула, что для этого проекта команде пришлось сознательно «забыть» правила правильной анатомии, идеального веса линий и классического принципа сжатия и растяжения (squash and stretch). Художники рисовали «от живота», ориентируясь исключительно на то, вызывает ли эскиз смех.
Аналогичная свобода была предоставлена аниматорам под руководством главы департамента Алана Хоукинса при создании боевых роботов (stealth bots). Сценаристы попросили аниматоров проигнорировать существующие киношаблоны и создать абсолютно уникальную механику движения трансформирующихся блоков. В результате Хоукинс разработал 20 вариантов анимации, из которых восемь вошли в финальный хронометраж. Эксперименты и добавление новых шуток продолжались вплоть до финальных недель перед блокировкой анимации: например, кульминационная боевая трансформация мамы (Линды) была внедрена в производство всего за пару недель до дедлайна.
💼 Инсайды для индустрии: как собрать выдающееся портфолио 50:40
В финальной части панели эксперты сформулировали практические рекомендации для молодых специалистов и студентов анимационных вузов (в частности, CalArts), планирующих занять нишу в сторибординге и дизайне.
Гильермо Мартинес выделил главные ошибки и правила при формировании портфолио:
- Отказ от стерильности: Студенты тратят слишком много сил на очистку линий, делая работы похожими на страницы коммерческих артбуков, что полностью стирает индивидуальный авторский голос. Мартинес заявляет, что всегда выберет автора со средним уровнем академического рисунка, но с сильным, оригинальным видением, нежели технически безупречного, но безликого художника.
- Изучение классики кино: Вместо копирования других анимационных лент Мартинес рекомендует взять список 100 лучших фильмов по версии AFI, выбрать любимый экшен-фильм, делать покадровые зарисовки (thumbnailing) и анализировать, почему режиссер сделал склейку именно в этот момент.
- Лаконичность: Портфолио раскадровщика не должно содержать 90 страниц. Достаточно 10 страниц лучшего и самого плотного материала.
Джефф Роу подтвердил этот тезис, раскрыв факт найма Линдси Оливарес. По его словам, Майк Рианда пригласил её на позицию художника-постановщика не из-за её официальных коммерческих проектов для студии DreamWorks, а на основе её личных коротких GIF-анимаций, посвященных её взаимоотношениям с бабушкой, где авторы увидели требуемую проекту аутентичность. Майк Рианда подытожил, что единственная рабочая стратегия роста — это непрерывное создание микропроектов (например, один 15-секундный комикс или ролик каждую неделю) и обязательное тестирование их на реальной аудитории для получения обратной связи.
